This time our guest is Lina Kanafani from Mint, who has a gallery in central London. She set up her gallery in 1998, when the contemporary design market was still small, and has worked with many designers for over a quarter of a century. Last year, she moved her gallery to a new location near Selfridges, the world's largest department store. She also handles we+ works, and we had dinner with her on a recent business trip to London. She is always full of love for designers and is like a mother figure in contemporary design.

第8回目のゲストは、ロンドンの中心部にギャラリーを構えるミントのリナ・カナファニ（Lina Kanafani）。彼女はコンテンポラリーデザインの市場がまだまだ小さかった1998年にギャラリーを設立し、四半世紀にわたり多くのデザイナーと仕事をしてきた。昨年、世界一のデパートと言われるセルフリッジズのすぐそばにギャラリーを移転。we+の作品も取り扱ってもらっており、先日のロンドン出張時にはお食事もご一緒させてもらった。ヨーロッパの主要大学の卒業制作展にはできる限り足を運び、若手デザイナーの育成に力を注ぐ彼女は、いつもデザイナーへの愛情に溢れ、コンテンポラリーデザインの母のような存在だ。

From a time when there was no contemporary design in London

ロンドンにコンテンポラリーデザインがなかった時代から

ToshiyaWhat is the background to the establishment of the gallery and what is the concept behind it? Has your origin, education or experiences had any influence on the establishment of the gallery?

林はじめに、ミント立ち上げの背景や、コンセプトを教えてください。あなたの出自や教育、経験がギャラリー設立に与えた影響はありますか。

LinaMint was established in 1998 in London. My background is not actually in design, I studied biochemistry at a university in Lebanon and did my Master’s degree in London. However, I have always lived in a contemporary atmosphere, as my father always went to Sweden. I grew up in a very modern house, probably the only one in Jordan, built by a Swiss architect, based on Scandinavian design and surrounded by carefully selected furniture, including oriental carpets and chandeliers. In Lebanon, there has been an influx of people and cultures since the 1970s, and I was exposed to everything from modern design to the classics. When I got married, I started living in London, but there was nothing in London at that time compared to Lebanon. I did so many different jobs, including selling pajamas, robes and other accessories to Harrods and big stores, but at some point I got bored. That's when someone said to me, 'Why don't you turn your ideas into a job', and that's when I started the gallery. I was very familiar with design, from classic to modern, and I wanted to do something people have never seen before. It was a bit avant-garde, because there was no contemporary design in London yet. I started small at first and exhibited a lot of art students' graduation works. The gallery started with Tom Dixon and other designers I admired for their ideas and concepts.

リナミントを始めたのは1998年のことです。私のバックグラウンドは実はデザインではなく、レバノンの大学で生化学を専攻し、ロンドンで修士号を取得しました。ただ、父がいつもスウェーデンに通っていたこともあって、ずっとコンテンポラリーな空気の中で暮らしてきました。おそらくヨルダンでは唯一の、スイス人の建築家が建てたとてもモダンな家に住み、北欧デザインをベースに、東洋の絨毯やシャンデリアなど、こだわりのある家具に囲まれて育ちました。レバノンでは、70年代から多くの人や文化が流入し、モダンデザインからクラシックまで、あらゆるものに触れることができました。結婚してロンドンに住み始めたのですが、当時のロンドンはレバノンと比べると何もありませんでしたね。パジャマやローブなどのアクセサリーをハロッズや大きな店舗に売る仕事をはじめ、本当にいろいろな仕事をしてきましたが、ある時に飽きてしまって。そんな折、自分のアイデアを仕事にしてみたらどうだろう、とある人から言われたことがきっかけでギャラリーを始めたのです。クラシックからモダンまで、デザインのことはよく知っていたので、その領域で何か今まで人々が見たことがない、新しいことをやりたいと思ったんです。ロンドンにはまだコンテンポラリーデザインがなかったので、ちょっとアバンギャルドな感じでした。最初は小さく始めて、美大生の卒業制作作品をたくさん展示しました。トム・ディクソンをはじめ、私がアイデアやコンセプトを気に入ったデザイナーの作品を扱うところから、ギャラリーはスタートしました。

Signs of the trend are in the graduation works

トレンドの兆候は卒業制作作品の中に

HokutoWhen we had dinner recently, you mentioned that you are always on the search for new talent and that you focus on educating them. There are now so many design galleries in London, as well as in Paris and New York, what do you think is unique about Mint among so many competitors?

安藤この前食事をご一緒した時も、いつも新しい才能を探していて、彼らを教育することに注力しているとおっしゃっていましたね。今ではロンドンをはじめパリやニューヨークにも数多くのデザインギャラリーがありますが、競合がひしめく中で、ミントのユニークポイントは何だと思いますか。

LinaWe see the huge number of art students' graduation works every year. The exhibition gives us a sense of what they are feeling now, and what the atmosphere is like from year to year. Trends take three to five years to establish, and you get an indication of this through the work of designers from all over the world. Even though the designers don't know each other, there is one big stream of thought that eventually leads to innovation, and five years later a new trend is born. We take inspiration from that pulse of design. From there, as a gallery we think about what to show, what to do and what the new trends are, which is a very time-consuming process because we can never tell from just one exhibition.

リナやはり毎年、膨大な数の美大生の卒業制作作品を見ていることではないでしょうか。展示を見ると、彼らは今どんな気持ちで何を感じているのか、その年々の雰囲気が伝わってきます。トレンドは定着するのに3〜5年はかかりますが、その兆候を世界中のデザイナーの作品を通して知るわけです。デザイナーはお互いを知らないにも関わらず、そこには1つの大きな思考の流れがあり、それはやがてイノベーションへとつながり、5年後には新しいトレンドが生まれるのです。私たちはそのデザインの鼓動からインスピレーションを得ています。そこから、ギャラリーとして何を見せたらいいのか、何をしたらいいのか、新しいトレンドは何かを考えるのですが、それはとても時間のかかる作業です。一回の展覧会だけでは決して分かりませんから。

Lidewij Edelkoort, a driving force in contemporary design

コンテンポラリーデザインを牽引してきたリー・エデルコート

ToshiyaI think it's important for gallerists to understand design trends, but you're catching up on the signs before they become trends. By the way, what do you think are the current trends in design?

林ギャラリストにとって、デザインのトレンドを理解することは大切だと思いますが、あなたはトレンドになる前の兆しからキャッチアップしているのですね。ところで、現在のデザインのトレンドは何だと思いますか。

LinaThe situation is a bit complex now, but there is a lot of focus on sustainable design. In terms of not wanting to consume it quickly or throw it away, it's the opposite approach to designers who make affordable things. I think innovative design is getting more attention and design pieces are becoming more complex and expensive. However, I find that this leads to extend the life of objects and makes the design more targeted at the wealthy and collectors. The pieces that galleries like ours carry are slowly moving towards collectible design with more innovative materials, and in fact, people want those one-of-a-kind pieces. There are now design galleries all over Europe, including in Belgium and Amsterdam, but there used to not be so many. Rossana Orlandi in Milan started a gallery shortly after me, and then many others started with a similar concept. And now they are commonplace.

リナ現代の状況は少し複雑ですが、サステイナブルなデザインには注目が集まっていますね。すぐ消費したり、捨てたりはしたくないという点では、手頃な価格のものを作るデザイナーとは正反対のアプローチです。革新的なデザインが注目され、デザインピースはより複雑で高価なものになってきていると思います。でもそれは、ものをより長く持つことにつながりますし、デザインをより富裕層やコレクターに向けたものにしているのではないでしょうか。私たちのようなギャラリーが扱う作品も、ゆっくりと、より革新的な素材を使ったコレクティブルデザインへと移行していますし、実際、人々はそのような唯一無二の作品を欲しがっています。今ではベルギーやアムステルダムをはじめ、ヨーロッパ中にデザインギャラリーが存在しますが、昔はこんなに多くはありませんでした。ミラノのロッサーナ・オルランディが私のすぐ後にギャラリーを立ち上げ、それから続々と同様のコンセプトで多くの人々がギャラリーを始めました。そして今では当たり前のようになったのです。

ToshiyaThe market for collectable design has developed in the 21st century. But are there other reasons for this?

林21世紀に入ってコレクティブルデザインの市場は発展しましたが、他にも理由があるのでしょうか。

LinaThe Dutch Design Academy Eindhoven (DAE) has had a huge impact on changing the scene of design. I started visiting the Milan Design Week 25 years ago, when the most innovative graduation projects were those of art students. Lee Edelkoort, then President of DAE, had a vision that the graduation work would be collectible design. Instead of focusing on everyday objects, she promoted the idea that even graduation works could become collectibles, and designers like Maarten Baas and Studio Job created a big movement that has continued to this day. The first time I saw Maarten Baas’s work was in a very small showroom - it was a small exhibition but really interesting because we could see new works of around ten amazing designers that I had never seen before. There was his baked chair ‘Smoke’, and a floral pattern but made of concrete, which was unexpected and a very innovative use of materials. I immediately assumed that this movement was going to be a trend. When the top starts, it trickles down to the mainstream. If you do something sustainable in a collectible context, in a few years it will become mainstream. Presenting new ideas as collectible design is very advantageous because it is limited and special. Sensitive people will first understand the concept, which will gradually spread to the masses and become something normal.

リナオランダのデザインアカデミー・アイントホーフェン（以下DAE）が、デザインシーンの変革に与えた影響はとても大きかったと思います。私がミラノデザインウィークに通い始めたのは25年前ですが、その頃は、美大生の卒業制作作品がもっとも革新的でした。当時DAEの学長だったリー・エデルコートは、卒業制作作品はコレクティブルデザインになるというビジョンを持っていました。彼女は日用品には注力せず、卒業制作作品であっても、コレクターズアイテムになりえるという考えを推し進め、マーティン・バースやスタジオ・ヨブのようなデザイナーが、今に至る大きなムーブメントを作りました。マーティン・バースの作品を最初に見たのは、とても小さなショールームでした。10人ほどのデザイナーの今までに見たことのない新しい作品がウィンドウ越しに見えて、小さな展示会でしたが本当に面白かったんです。マーティン・バースの焼いた椅子の作品Smokeや、花の模様ですがコンクリート製の作品などがあり、それらは予想外で、とても革新的な素材の使い方をしていました。私はすぐに、この動きがトレンドになると思いました。トップがはじめると、それがメインストリームにも波及します。サステイナブルなことをコレクティブルな文脈で行なえば、数年後にはそれが主流になるでしょう。新しいアイデアをコレクティブルデザインとして発表するのは、限定的で特別感があるがゆえにとても有利です。感度の高い人がまずコンセプトを理解し、徐々に大衆へと広がり、世の中の当たり前になっていきます。

HokutoLidewij Edelkoort had a very big impact on the design world. Speaking of the Netherlands, how about Droog?

安藤リー・エデルコートがとても大きな影響をデザイン界に与えたんですね。オランダといえば、ドローグはいかがでしょうか。

LinaI think Droog Design is the base for this. They have created designs that look fun and have never been seen before. They were also sustainable in that they always look at nature and return to it. When the Droog exhibitions were held in London and Milan, there were queues and they were very attractive to everyone, not just collectors. All the pieces were handmade, well thought out, original and looked new with a different design approach. Then Lidewij Edelkoort came along and worked with DAE to push the idea forward. She maximized it and exposed it to the world. For me, Holland is a pioneer.

リナドローグデザインは、その土台にあると思いますね。彼らは、今まで見たことのない楽しいデザインを生み出してきました。彼らは常に自然を見つめ、自然に回帰するという点で、サステイナブルでもあります。ロンドンやミラノでドローグの展覧会が開催された時は行列ができましたし、コレクターのみならず、すべての人にとってとても魅力的なものだったんです。すべての作品が手作りで、よく考えられていて、オリジナリティがあり、これまでとは違うデザインアプローチで新しく見えました。その後に、リー・エデルコートがやってきて、DAEと協力してその思想を推し進めました。彼女はそれを最大化し、世界に広めたのです。私にとって、オランダはパイオニアです。

ToshiyaBefore that, there was a Memphis in Italy.

林さらにその前にはイタリアでメンフィスもありましたよね。

LinaYes, there were many movements and each has its own aesthetic and direction. I think Memphis is an amazing design, but we don't handle it at mint gallery because I feel it looks like a medieval European style. Whereas 18th century British and Scandinavian design is more refined and calmer, whereas Baroque is more expressive and colourful, so there are different styles in different countries. What we like and what we sell are not necessarily essential for a gallery in Amsterdam, and every gallery has different criteria for success and different ways of selling. If Rossana Orlandi can sell the work in Milan, it does not necessarily mean that the same thing will be sold in London. The people, the aesthetics, the environment, everything is different. Even though we look at the same designer, the path to success is very different from one gallery to another, and each has its own individual style, which is also a very good thing.

リナそうですね、多くのムーブメントがありましたし、それぞれに美学と方向性があります。メンフィスはとてもすばらしいデザインだと思いますが、中世ヨーロッパのスタイルのようだと感じることもあって、mintでは取り扱っていません。18世紀のイギリスや北欧のデザインは洗練されていて落ち着いていますが、バロックはより表現豊かでカラフルなように、国ごとに違ったスタイルがありますよね。私が好きな作品や売り方がアムステルダムのギャラリーにとって不可欠とは限りませんし、ギャラリーごとに成功の基準も売り方も違うのです。ロッサーナ・オルランディがミラノで作品を売ることができても、ロンドンで同じものが売れるとは限りません。人も美学も環境も、すべてが違うのですから。同じデザイナーを見ていても、ギャラリーごとに成功への導き方は違っていて、それぞれが個別のスタイルを持っているのですが、それはとてもいいことだとも思います。

Works that stand out from the rest and are unique in the gallery

他とは一線を画す、ギャラリーの中でひときわ個性を放つ作品を

HokutoI see. So what points do you focus on when selecting the works you will showcase in your gallery?

安藤なるほど。ではあなたがギャラリーで取り扱う作品の選定基準とは何でしょうか。

LinaI would start with the visual attraction. It is very important to have an expression that has never been seen before, and to have originality in terms of shape, materials and approach. The quality of the work is also important, of course. And timing is another key point. Because if you can find the right thing at the right time, when someone is looking for something, then the designer is doing the right thing at the right time. And always ask to align with what we are doing in the gallery. Craft, materials, innovation, sustainability, aesthetics... all aspects have to be considered together with the designer and then pick and choose what fits the concept of the gallery. I'm looking for amazing pieces that stand out from the rest of the gallery. That is why innovation and aesthetic originality are important.

リナまず、見た目の魅力から入りますね。これまで見たことのない表現であるか、形や素材、アプローチの仕方も含めたオリジナリティはとても大切です。作品のクオリティももちろん重要。そして、タイミングもまたポイントなんです。誰かが何かを探しているときに、そのタイミングでぴったりなものを見つけることができれば、デザイナーは正しいことを正しいタイミングで行なっていることになりますから。そして、ギャラリーでやっていることとの整合性を常に求めることです。手わざ、素材、イノベーション、サステイナビリティ、審美性…、あらゆる側面をデザイナーと一緒に考え、ギャラリーのコンセプトに合うものを取捨選択しなければなりません。私は、ギャラリーの中でもひときわ個性を放つすばらしい作品を求めています。だからこそ、イノベーションや審美的なオリジナリティが大切なのです。

ToshiyaDo some client requests sometimes have an influence on the designer's work?

林顧客のリクエストがデザイナーの作品に影響を与えることはありますか。

LinaYes, It does. A lot of my work involves working with interior designers. They always ask for special sizes and objects to suit the project, so I discuss this with the designer to make sure they get the best possible result. Most of the objects are made by hand, so It can be custom-made to suit the client's wishes, whether it's an interior or a piece of furniture. For example, we have a table with a diameter of 120 cm but they might want one with a diameter of 150 cm, or they might want to change a table with 5 rows to 25 rows. This is only possible because it is a niche market, something that is not possible with a production line.

リナありますよ。私の仕事の多くはインテリアデザイナーとの協業です。彼らはいつもプロジェクトにあった特別なサイズ、ものをリクエストしてくるので、できる限り良いものを提供できるようデザイナーと検討します。多くはハンドメイドなので、インテリアでも家具でもクライアントが望むように調整するのです。直径120cmのテーブルはあるけれど、実際は150cmのものがほしいとか、5本ラインのものはあるけど、25本ラインのものがほしいとか。これはニッチな市場だから成り立つことで、製造ラインをもってしまうとできないことです。

The future is bright for Japanese designers

日本のデザイナーの未来は明るい

ToshiyaI see. Next, I would like to ask you about Japanese design. Of course there are Japanese designers working with design galleries abroad, but the market for contemporary and collectible design in Japan is not large.

林そうなのですね。次に、日本のデザインについてお伺いします。もちろん海外のデザインギャラリーと仕事をしている日本人デザイナーはいますが、日本のコンテンポラリーデザイン、コレクティブルデザインの市場は大きくはありません。

LinaThat means there are not many collectors in Japan. I have always wondered why this is the case. Why are Japanese designers limited? The craftsmanship is unbelievably wonderful and maybe they are the most qualified to save the world! But I also think that historically, Japan has been isolated and tended to be closed to itself. And they are minimalists, aren't they? They only make what they need and are self-disciplined. That's clearly a different style from Europe, and I think this kind of lifestyle and market principles have influenced it. But in the fashion industry, Japanese companies such as Comme des Garçons broke all the rules of fashion. I think what they have done can be achieved in design. Japanese design has a reputation for quality, and it is natural for the Japanese to combine innovative design with quality. For Japanese, even small items like kitchen knives are not easily discarded because the quality is good. Japanese products are always sustainable and functional. That is why I think the future is very bright for Japanese designers. The whole of Asia is changing now, and China and Korea are focusing on collectible design and galleries, so I think Japanese attitudes will gradually change.

リナそれは、日本にはコレクターが少ないということですよね。私もなぜそのような状況なのかずっと考えていました。なぜ日本のデザイナーは活躍できないのか。技術は信じられないほどすばらしく、もしかして世界を救うにはもっとも適任かも！？と思うことすらあるのに。ただ、歴史的には日本は孤立していて、自分たちの殻の中に閉じこもる傾向にあったとも思います。そしてミニマリストですよね。必要なものしか作らず、自分を律することができる。それはヨーロッパとは明らかに違うスタイルで、このような生活様式や市場原理が影響しているのではないでしょうか。でも、ファッション業界では、コム・デ・ギャルソンなどの日本勢が世界のファッションのルールをすべて破りました。彼らがやったことはデザインでも実現可能だと思うんです。日本のデザインは品質に定評がありますし、革新的なデザインと品質を両立させることは日本人にとって当たり前なこと。包丁のような小物でさえ、日本人は簡単には捨てません。なぜなら品質がいいからです。日本の製品は常にサステイナブルで機能的。だからこそ、私は日本のデザイナーの未来は非常に明るいと思っています。今、アジア全体が変わってきていて、中国や韓国は、コレクティブルデザインやギャラリーに力を入れているので、日本人の意識も徐々に変化していくと思います。

ToshiyaYes, we have to do our best.

林そうですね、私たちもがんばらないといけませんね。

LinaYou should always have a bright perspective and do your best.

リナいつでも明るい見通しを持って、ベストを尽くすべきですよ。

Where technology, craft and sustainability overlap

テクノロジーと工芸とサステイナビリティが交差する

HokutoHow do you think contemporary design will change in the future?

安藤では、これからのコンテンポラリーデザインはどうなっていくと思いますか。

LinaI'm not Lee Edelkoort, you know. But when I think about what is happening in the world today, technology is very strong. Virtual reality design is developing more and more, and I think we're going to see big changes in the future. People will increasingly buy and design things in virtual reality. And you can already buy very complex and unique pieces. On the other hand, I think the craft element will always be there. Because we love to touch and experience things directly, it's human nature. Craft is merging as part of design and becoming more and more creative. And, after all, I think that design in the future will be more closely related to the environment. Global warming and other environmental issues are unavoidable. Between technology, craft and sustainability, there may be a path for design in the future. Whether they are expressed aesthetically or technologically, I don't know, but I think they will have a significant impact on the future of design. Also, most recently, the market for contemporary design is getting better. For example, Carpenters Workshop Gallery has opened a very large space, which is a good sign. That's how active the collectors are.

リナ私はリー・エデルコートではありませんからねぇ（笑）。ただ、今世界で起こっていることを考えると、テクノロジーの力はとても大きいですね。仮想現実のデザインはますます発展し、これからも大きな変化が訪れると思います。人々はますます仮想現実でものを買い、デザインするようになるでしょう。もうすでに、非常に複雑でユニークな作品を買うことができますし。一方で、工芸的な要素も常に存在し続けると思います。なぜなら、私たちはものに直接触れること、経験をすることが大好きで、それが人間の本質だからです。工芸はデザインの一部として融合し、ますますクリエイティブになってきています。そしてやはり、これからのデザインは、環境とより密接に関係していくのではないでしょうか。地球温暖化や他の環境問題は避けては通れません。テクノロジーと工芸とサステイナビリティ、それらの間にこれからのデザインの道があるのかもしれません。それらが審美的に表現されるのか、技術的に表現されるのか、私には分かりませんが、これからのデザインのあり方に大きな影響を与えると思います。また、直近で言えばコンテンポラリーデザインの市場は良くなってきています。例えば、カーペンターズ・ワークショップ・ギャラリーはとても大きなスペースをオープンしましたが、それは良い兆候です。それだけコレクターの動きが活発だということですから。

ToshiyaFinally, please give us a message for readers.

林それでは最後に読者のみなさんへメッセージをお願いします。

LinaI know you all collect and buy design pieces, but I hope you will follow your instincts and buy what you like and what fascinates your heart. I love to live surrounded by things I like and enjoy having them. Life is short, so please enjoy design, everyone.

リナみなさんもデザインピースを収集したり買ったりされると思いますが、直感の赴くままに、気に入ったもの、心が魅了されたものを是非買っていただきたいです。私は、好きなものに囲まれて暮らしたいですし、それらを所有することを楽しんでいます。人生は短いですから、どうかみなさんもデザインを楽しんでくださいね。